PROCESO CREATIVO, G07. Marta Fernández Alba

MI PRIMER PROCESO CREATIVO

"Mareas emocionales"

Por Marta Fernández Alba

Durante estas semanas atrás he llevado a cabo mi primer proceso creativo, basado en dar forma a la infancia y representarla de diferentes maneras, enlazándola con el juego y el arte, con el objetivo final de crear una estructura relacionada con estas premisas. Durante todo el proyecto, cuando trabajaba en el aula junto con el resto de mis compañeros dábamos forma a nuestras ideas escuchando de fondo la canción "I don´t wanna be you anymore", de Billie Eilish. Dicha  canción tendríamos que añadirla de la manera más original posible, al final de nuestro proyecto creativo.

Para conseguir un orden sobre el trabajo realizado e ir creando poco a poco a través de la indagación en los temas que pretendía recoger en mi obra, dividí el proceso en tres puntos.

En primer lugar, comencé el proyecto realizando un dibujo que representase para mí la infancia, el arte y el juego. El dibujo debía realizarlo creando formas con palabras relacionadas con las tres premisas ya mencionadas. Inmediatamente llegaron las ideas a mi imaginación; el mar, el sol, los pájaros, los peces… la playa. Una infancia feliz entre olas y peces de colores, con la luz del sol resplandeciendo en la superficie. La inocencia de los pequeños me recordaba tanto a la de los peces. Y la risa de los niños, tan alegre. Pura luz, como el sol. Me decidí a dar comienzo a mi dibujo, y para ello decidí plasmar el mar con palabras que únicamente tuvieran relación con el arte, expresando así la grandiosidad de ambos. En los peces, el sol y los pájaros utilicé palabras relacionadas con la infancia y el juego. Y para terminar, me di cuenta de que todo lo que había puesto sobre la infancia era bueno, pero que también había sensaciones negativas u obligaciones que no nos hacen sentir bien cuando somos pequeños, por tanto, utilicé esta idea para dar forma a una nube y expresar así la parte negativa de la infancia. El dibujo lo realicé en un bloc de dibujo Basik Canson Guarro con hojas de papel de 23x32,5 cm, microperforadas, y un lápiz de grafito de la marca Faber-Castell, de dureza 6H. 

El siguiente punto del proceso fue la búsqueda de esculturas, ilustraciones, estructuras, etc. macizas o con huecos vacíos, de diferentes autores que hayan dado forma a sus obras utilizando letras. Esta búsqueda me ayudaría a tomar ejemplos y empezar a dar forma a mi estructura final.

Entre las obras encontradas he seleccionado las siguientes; el “Poema Arco” de Beatriz Díaz Ceballo, realizado con acero carbono, con soldadura de arco y pátina de cuero. Sus medidas son de 159 x 365 x 100 cm y fue expuesto en 2017 en las calles del centro histórico de Aranda de Duero (Burgos) para la tercera exposición de esculturas urbanas al aire libre. Las diferentes esculturas expuestas de esta artista muestran en dicha exposición, muestran un curioso juego de palabras que van invadiendo las calles y a través de divertidas formas con el acero. “Art” y “Love” son dos esculturas del autor Robert Indiana. En ambas emplea los colores azul y rojo. “Alma de Ebro” de Jaume Plensa destaca por su grandeza y complejidad para dar forma al cuerpo utilizando las letras. Esta escultura fue instalada en la ciudad de Burdeos. Y por último “La magia de los caligramas” de Cacho Mazzoni, en la que utiliza una poesía que habla de un gato, para dar forma al propio gato.

El último punto del proceso fue realizar mi propia escultura, teniendo en cuenta los puntos seguidos anteriormente. Para ello comencé preguntándome cómo quería plasmar lo trabajado hasta el momento, fue  así como conseguí visualizar las formas que quería dar a mi escultura. Entonces me puse manos a la obra para representarlo en un boceto inicial.

La primera idea era crear media cúpula que enmarcara la estructura, con una plataforma debajo y una luna creciente en el centro, con un cofre del tesoro a sus pies. En la cúpula habría unos huecos con forma de niño y niña jugando de la mano, de esta manera la luz podría entrar por dichos huecos, representando la alegría de la infancia. La idea surgió en base al dibujo realizado al principio del proceso. Quería plasmar el mar, la luna y sus fases; la influencia de éstas en las mareas, etc. así la escultura tendría un sentido educativo en relación al conocimiento del medio. La cúpula sería la luna llena, la luna media sería creciente, la plataforma representaría el mar, y el cofre del tesoro haría alusión a la fuerza y al poder que ejerce la luna sobre el agua. Esta idea guardaba relación con la infancia en cuanto a que relacionaba los niños con los peces que hay en el mar, los cuales se mueven conforme las mareas lo hacen, al igual que los niños están influenciados por las diferentes emociones que suceden dentro de ellos, los estados de ánimo, las sensaciones, etc. y también están bajo el respaldo de los padres y madres que siempre les cuidan y guían, a los cuales represento con la figura de la luna.

Una vez que empecé a realizar la escultura con el cartón me di cuenta de que la media cúpula no iba a quedar bonita con este material. Entonces me planteé si sería práctica mi idea de la cúpula, o si podría representar la luna llena de alguna otra forma. Volviendo al dibujo inicial, me paré por un momento a observar el sol que dibujé en el centro y decidí olvidar lo de las fases lunares y representar por un lado el sol y por otro lado la luna. De esta manera se me ocurrió realizar el sol con un círculo plano, que lo colocaría como fondo de la escultura, y en éste dibujaría  los huecos con forma de niño y niña que había pensado para la cúpula, de esta manera, no sólo entraría la luz por dichos huecos, sino que además, visto desde enfrente parecería que los niños están subidos en la media luna. 

En cuanto al cofre del tesoro, pensé que sería una buena idea añadir dentro en un papel enrollado, la canción que ha sonado de fondo mientras trabajaba el proyecto estando en clase, pero entonces se me ocurrió plasmarla de una manera más original, creando las palabras de un párrafo de la canción mediante rollitos de papel arrugados pegados en la plataforma (que representa el mar) y así utilizaría la letra de la canción para aportar diferentes texturas y crear también la sensación de olas en movimiento. 

Una vez que di forma a mis ideas, pensé en la manera de forrar la estructura ya que debía hacerlo con fotocopias del dibujo realizado en la primera parte del proceso. Para organizarme, pensé en las diferentes piezas que tiene la estructura, y lo repartí de la siguiente manera:
La plataforma que representa el mar iría cubierta con las olas de palabras que dibujé.
El sol quedaría dividido como en dos partes, por debajo estarían las nubes y de la mitad hacia arriba, le colocaría la parte del cielo con los pájaros.
Y por último, la media luna la cubriría con una composición de mosaicos hechos con el sol dibujado por letras.

Finalmente y teniendo en cuenta todas las ideas que he explicado relacionando la infancia, el arte, el mar, los peces, las emociones, el juego, los padres, etc. decidí denominar mi estructura “Marea de emociones”, recogiendo así el conjunto de ideas que he querido representar.
En cuanto a la ubicación de la estructura, está pensada para situarla en una plaza con vistas a un acantilado que dé al mar. De esta manera la luz de los atardeceres o amaneceres podría entrar directamente por las formas huecas que tiene la estructura y crear así un bonito y divertido juego de luces.

 

Para terminar el proyecto, alumbré la escultura con luz artificial para captar sus sombras. 

En la exposición final, la luz de colores que colocamos en nuestras mesa también jugó un importante papel aportando vida a las formas huecas del niño y la niña jugando de la mano.  

 

El día de la exposición fue todo un éxito y las esculturas que realizamos encajaron en armonía bajo el manto de una leve luz que cambiaba de color, aportando suavidad, alegría y misterio. Durante dicha exposición tuvimos el placer de disfrutar de una actuación que realizaron algunos compañeros de clase, con la canción que ha sido protagonista durante toda la realización de nuestros proyectos. 

 

Fdo. Marta Fernández Alba.

PROCESO CREATIVO, G7. Nieves Sabio Muñoz

MI PRIMER PROCESO CREATIVO

"La flor de la vida"

Por Nieves Sabio Muñoz

Para comenzar este proyecto creativo empecé basándome en tres palabras clave: "infancia, arte y juego".

A partir de estas palabras, escribí otras nuevas siguiendo la inspiración que me transmitía. Estas, fueron

la base fundamental de la creación de un dibujo que combinaba diferentes formas, palabras, intensidad,

tipos de letra etc.

Al comenzar el dibujo, debíamos tener en cuenta que no estaba permitido borrar por lo que cualquier

modificación que se quisiera hacer debía ser en el mismo papel o en un nuevo espacio. Esto ocurre

porque todos los fallos y modificaciones forman parte del aprendizaje.

El dibujo al que hago referencia fue creado sobre un bloc de dibujo de la marca "Canson Gvarro Basik"

en espiral microperforado. El color del papel es blanco natural, un poco satinado y con una superficie

regular. Para su realización utilicé un lápiz de grafito de la marca "Faber Castell" en especial escogí el

número 2B ya que su punta me proporciona la posibilidad de poder darle diferentes tonos de intensidad

al dibujo, haciendo así que tuviera una originalidad especial.

Las palabras que más utilice para la creación de la flor que aparece en mi dibujo fueron la que me

inspiraron las tres palabras iniciales. La destacada en el centro fue "ilusión" ya que a partir de ella

se pueden sacar varias teorías como por ejemplo: la ilusión que ponen los niños durante la infancia

cuando aprenden, la ilusión de los niños y niñas al recibir un regalo, la ilusión de los niños cuando

ven que hacen las cosas bien o se les pone interés. Por ello, decidí acompañarlas con otras palabras 

a su alrededor en forma de pétalos (juego, aprendizaje, niño, niña...). 

La palabra "ilusión" la quise destacar de modo que quedara más oscura mientras que las demás

(que formaban los pétalos y demás partes del dibujo) eran una mezcla de intensidades, entre fuertes

y débiles. 

La siguiente parte del proceso creativo es buscar artistas, ya fueran pintores o arquitectos, conocidos

o  no, que habían elaborado obras formadas por letras. En ellas existían también partes macizas y

huecas. Todo esto fue llevado a cabo para que nos pudiera servir de inspiración a la hora de nuestra

creación. Los autores que elegí fueron: José Cuerda, Jim Sanborn (Kryptos), Robert Indiana (Love), Gary Grayson (Pop), Jaume Plensa (El alma del Ebro), John Adduci (Wbez 91.5 PM), Paula Scher (Mapamundi). 

Una vez terminado el proceso de investigación y la recopilación de estructuras y pinturas de

diferentes autores por internet, llega la hora de realizar el boceto de lo que próximamente será

mi estructura, que estará compuesta totalmente por cartón. En primer lugar, tuvimos que realizar 

un boceto, es decir, se tenía que dibujar la idea de cómo queríamos que quedara nuestra 

estructura, añadiendo también como se veía desde diferentes puntos de vista. En este boceto 

plasmé como quería que fuera mi estructura, con sus partes huecas y macizas, lo que 

requería bastante trabajo y tiempo por lo que necesitamos unas cuantas semanas para llevarlo a cabo. 

A partir de ello, empecé a hacer mi escultura. La realicé con la intención de que sirviera como monumento expuesto en la calle para que todo el mundo pudiera verla en su día a día al pasear. 

Decir también que esta localización tiene mucho sentido con su significado, ya que lo hice con la intención de que se viera el proceso vital de las personas, relacionándolo con una flor ya que son parecidos. Las personas al igual que las flores, nacemos, crecemos y morimos. También puede asimilarse a la infancia, el nacimiento y el proceso de aprendizaje de los niños.

Mi escultura simboliza, como ya he dicho, una flor. En ella he planteado un macetero del que sale

un tallo y la flor. El nombre que he elegido ha sido "La flor de la vida". 

Cuando sabía ya como iba a ser mi estructura, que tamaño tendría y para que serviría, empecé 

a darle forma utilizando exclusivamente el cartón, tal y como tenía previsto, aprovechando las

diferentes variedades que existen respecto a grosor y texturas. 

Una vez acabada, llegó la hora de forrarla. Para ello se utilizó el primer dibujo explicado. En primer

lugar pensé que partes del dibujo quería que se vieran en cada lado de la estructura, para que 

resultara original y en segundo lugar, una vez estaba todo pensado, empecé a pegarlo con pegamento. 

En algunas ocasiones, como es el caso del tallo, no solo utilicé pegamento ya que era insuficiente. 

También tuve que utilizar palillos de madera para conseguir un efecto de estabilidad en la estructura,

además de poner unos pliegues de cartón con el objetivo de que la base interior se pudiera quedar 

encajada en su sitio. 

Durante todo el tiempo que hemos estado realizando el proceso creativo tuvimos de música ambiente

la canción de Billie Eilish llamada "I don't wanna be you anymore". Como una de las condiciones era

incorporar la canción en nuestra estructura de una manera creativa, decidí utilizar varias cintas de las

que se utilizan para hacer lazos en los regalos, añadiendo un toque divertido a la estructura. En ellas

escribí partes de la canción que más me habían llamado la atención y que durante las horas de clase

se habían quedado en mi mente. 

Para terminar el proyecto primero alumbré la estructura con luz artificial. Con esta luz se podían
ver diferentes enfoques de la obra, creando diferentes formas. Por otro lado, hicimos una exposición
con todas las obras de nuestros compañeros las cuales iban acompañadas de una foto escogida de la
sombra que proyectaba la luz artificial y la cartela con los datos. Durante la exposición un grupo nos
canto la canción de Billie Eilish mientras disfrutábamos de un buen desayuno.

Fdo. Nieves Sabio Muñoz

PROCESO CREATIVO, G7. Milagros Otero Ganaza

MI PRIMER PROCESO CREATIVO

"RECUERDOS DE LA INFANCIA"

Por Milagros Otero Ganaza

Empecé este proceso creativo recordando mi infancia y todos aquellos momentos vividos cuando era pequeña, aquellos sentimientos, recuerdos, aficiones, deseos, gustos... dejándolo todo plasmado y representado en un dibujo, solo podían aparecer letras con diversos grosores, tamaños, intensidades... todo aquello que deseaba expresar en mi dibujo, debía ser mediante letras que me inspirasen para llevarlo a cabo. Las primeras palabras claves tenidas en cuenta fueron "Infancia, arte y juego", y a raíz de ellas, surgieron muchísimas más.

Un aspecto importante y novedoso, al menos para mí, es que no se podía borrar, por lo que todo cambio debía ser escrito encima, o incluso repetirlo, algo que en ocasiones hice, puesto que este dibujo sería útil y valioso para una fase posterior. Mi objetivo fue elaborar una creación artística que hiciese sentir, recordar, rememorar, y que cuando se viese en primera instancia, volásemos juntos hacia el pasado, de una forma bella y armoniosa.

Mi obra fue llevada a cabo sobre un blog de dibujo Basik en espiral microperforado de Canson Guarro. El papel estaba ligeramente satinado, además de poseer un blanco natural. Es un papel idóneo para realizar diferentes dibujos, puesto que se pueden elaborar utilizando diversas técnicas de dibujo a lápiz, cera, tintas, etc. Para la realización del dibujo, utilicé durante todo el proceso creativo un único lápiz de grafito, marca Staedtler Noris HB 2, siendo yo misma la que proporcionaba al dibujo diferentes grosores, intensidades...

El dibujo está compuesto por diferentes letras, en concreto palabras, que representan la infancia y aquellos pensamientos que tenemos sobre ella. Decidí proporcionarle una intensidad más fuerte del trazado y unas letras más grandes, a aquellas palabras que representan la niñez (felicidad, juego, amor, familia) dejando menos intensidad y fuerza en aquellas palabras que quedarían en un segundo plano. En definitiva, el dibujo está compuesto por palabras significativas que me hacen volver a vivir lo que vivía cuando era pequeña. ¿Qué es lo que siente y piensa un niño? Pues todo aquello que aparece plasmado en mi dibujo, el pensamiento de un niño representado en una obra. 

Continuando así... en clase se nos propuso investigar o buscar autores que pudieran inspirarnos acerca de obras llevadas a cabo mediante letras, ya fuesen pintores, escultores o arquitectos, puesto que a pesar de no tener constancia de ello, había muchísimos y muy interesantes. Algunas de sus obras, con parte hueca y maciza me inspiraron para la elaboración de mi primera escultura. Entre todos ellos, destacar: Robert Indiana (“Imperial Love”), Paula Scher (“El mapa y las palabras”) Jaume Plensa (“Silencio frente al ruido”) (“El alma del Ebro”). Todas ellas presentan algo único, y en ellas me percaté de la importancia de la luz, del sentimiento que se le pone y además de los diferentes usos que se le puede dar a una misma obra. 

Una vez finalizada la búsqueda de información sobre diferentes autores, aclarando dudas e incertidumbres, comenzó mi proceso de creación propia, el primer sentimiento que se me pasó por la cabeza fue el miedo, puesto que era mi primera vez, nunca antes había creado una escultura, pero a la vez, ganas e ilusión, era algo nuevo y novedoso para mí. Antes de utilizar el cartón, era necesario plasmar en un papel todo aquello que quería llevar a cabo, aclarando ideas y tomando constancia de que mis ideas eran acertadas, o por el contrario, si tenía que realizar algún cambio para que todo saliese de la mejor manera posible. Por ello, realicé un boceto, exponiendo en él, todas y cada una de las perspectivas, como iban a ir encajada las piezas, cuantas piezas tendría y además como iba a estructurar mi escultura de cartón. Para todo esto, era imprescindible las ganas, la ilusión, la constancia y por supuesto la imaginación y la creatividad para conseguir algo novedoso, distinto a lo demás y lo más importante, que fuese significativo para mí. 

Al estar relacionado con la infancia, quise representar en mi escultura, un cohete con diferentes planetas... ¿Por qué decidí elaborar un cohete y no otra forma tridimensional? Pues debido a que la imaginación, el pensamiento, el deseo, la ilusión, la diversión de un niño vuela hacia lo más alto, al igual que lo hace un cohete; Algo que nunca debemos cortar, debemos dejar que vuelen y que lo hagan sin sentirse cohibidos, que se sientan libres y capaces de realizar todo aquello que se propongan, puesto que con ganas y constancia todo se puede lograr. A raíz de la elaboración y creación de la escultura,  pensé que nombre sería el más acorde y significativo, por lo que “Recuerdos de la infancia” fue el elegido, y fue el que me inspiró más nostalgia y a la vez felicidad y alegría.

Toda la escultura está formada por parte tanto macizas (todo el cohete en sí)  como huecas (puerta del cohete y círculo colocado en la parte de arriba), todo siempre con un sentido y dándole a ésta la forma más acorde e idónea posible. En la parte de abajo, decidí elaborar una base realizada con cartón, con el objetivo de incluir dos cohetes (con un sentido y valor que será descubierto posteriormente) que serían integrados en la escultura con dos palillos de madera, con el fin de darle más seguridad.

Posteriormente, una vez decidido que partes irían en cada lado del cohete, cuanto tendría que medir cada una de ellas y cuantas partes tendría en total, comencé a pensar como iría forrado y que partes del dibujo iría en cada uno de los lados, teniendo siempre en cuenta que forma geométrica poseía esa parte del cohete. El objetivo estaba en sacarle el máximo partido a la escultura y conseguir algo bello con tan solo cartón.

¡Comienza la fase de forrar la escultura! Realmente parecía algo fácil, pero cuando comienzas a realizarlo, te das cuenta de que no lo es y que necesitas pensar y reflexionar mucho sobre cómo llevarlo a cabo. Los laterales del cohete irían forrados con el dibujo central (representación de la cara y el cuerpo de un niño, compuesto por diferentes letras y palabras). Decidí ponerlo en dos partes del cohete, por la importancia que esta parte del dibujo tiene para mí, mientras que la parte de arriba fue forrada con una palabra clave (“juego”). Por otro lado, la cara del cohete, donde aparece la puerta, fue forrada con cuatro palabras significativas que representan el valor y la importancia de la infancia (“amor” “felicidad” “juego” “familia”). En las esquinas quise ponerle unas tiras de color negro, con el objetivo de que no se percibieran los cortes, y fuese todo un poco más estético. Por último, la parte de abajo (la base) fue forrada de color blanco, puesto que desde mi criterio, daba una mayor impresión de buen gusto.

Intenté utilizar el menor número de piezas posibles, utilizando pliegues y empleando cola, pegamento y palillos de madera, con el fin de darle seguridad y estabilidad a mi escultura.

Por otro lado, ¿Cómo estuvo ambientado nuestro trabajo durante todo el proceso creativo? Pues a través de una canción llamada “I don´t wanna be you anymore” de Billie Eillish, una canción que tras conocer su letra más te hacía pensar, reflexionar y sobre todo sentirla muy dentro de ti. Destacar que esta canción no podía faltar y se decidió incluirla en nuestra escultura, de una forma innovadora y creativa. Mi propuesta fue incluirla en el aro que rodea uno de los planetas con papel fieltro, integrando aquellas palabras y frases significativas de la canción, dándole la importancia y el valor que realmente merece.

Finalmente, la parte final de este gran proceso creativo fue proporcionarle y proyectarle luz artificial a nuestra escultura, percibiendo diferentes formas de observarla que realmente no conocíamos y pensando sobre ellas. Destacar que todo el proceso se llevó a cabo con luz natural, por lo que la utilización de la luz artificial fue algo increíble e interesante para todos nosotros. 

Para concluir este proyecto, se llevó a cabo una exposición. En ella, cada uno de los grupos colocaba sus esculturas en su mesa correspondiente, utilizando todo aquel material que creía conveniente (decidimos utilizar una luz de color que sería proyectada en cada una de nuestras esculturas), y además en las mesas se podrían observar las diversas cartelas con los datos principales y una foto de las sombras de las esculturas. La exposición estuvo ambientada con la actuación de un grupo, que decidió cantar la canción, provocando un buen ambiente y amenizando así la gran y bonita exposición.

PROCESO CREATIVO, G7. Marta Rosa Fernández

  

 MI PRIMER PROCESO CREATIVO

"LOS PILARES DE LA INFANCIA”

 

Por Marta Rosa Fernández

 

Comencé este proyecto creativo tomando como punto de partida tres palabras “Infancia, Arte y Juego” y todo aquello que las mismas me inspiraban, dejándolo todo plasmado en un dibujo y tomando como premisa básica el uso de letras en el mismo, combinando diferentes tamaños, tipos de letra, intensidad, luz…, en definitiva, todo lo que deseaba expresar debía ser a través de letras.

Mi creación inicial era una obra destinada a un uso posterior, la cual más tarde, reelaboré y reformulé, haciendo de la mezcla de dibujos, letras y texturas, un espacio armonioso, en relación con el tema seleccionado. Una de las características principales de dicho proceso, es que nunca se borraba, por lo que si había que rectificar algo, se escribía encima o se volvía a repetir.

Dicho dibujo fue realizado sobre  un bloc de dibujo de papel Canson Guarro Basik en espiral microperforado. El cual contiene papel de color blanco natural, ligeramente satinado, proporciona firmeza y regularidad en superficie.  Utilicé un único lápiz de grafito para la elaboración del mismo, de la marca Faber Castell, específicamente el 2B, cuya dureza me permitió dar diferentes grados de intensidad al dibujo elaborado.

El centro de la composición eran las palabras infancia, juego, y arte, las cuales utilicé una intensidad fuerte del trazado, y letras grandes y diferentes, con el objetivo de destacar que eran el centro de la creación y que configuraran el primer plano de la misma. Detrás de cada palabra, encontramos la primera letra de la misma, en tamaño gigante elaborada con letras pequeñas que reflejaban todo aquello que identifico más con la infancia, juego y arte. Las mismas han sido elaboradas para dar profundidad a la creación, y destacar aún más la importancia de estos tres factores. Por último, sobre las letras gigantes representé, en forma de dibujos, elementos representativos de cada palabra, utilizando letras pequeñas con una intensidad mayor para que destacara sobre la letra gigante.

Tras realizar el dibujo, siguiendo el hilo conductor, nos dispusimos en clase a buscar artistas, (pintores, arquitectos o escultores), ya fueran conocidos o desconocidos, que habían elaborado obras con letras y donde también se introducía en las mismas, formas macizas y vacías, con el objetivo de inspirarnos para elaborar nuestra propia escultura. Entre los autores que plasman las letras como arte, destaqué a: Jaume Plensa (“Alma de Ebro”), Robert Indiana (“Love”), Marc Ruygrok (“Hier”) Guillaume Apollinaire (“Horse caligram”), José Juan Tablada (“El puñal”), con las cuales me percaté de la importancia de la luz para ver desde diferentes perspectivas una misma obra (En alma de Ebro), los diferentes usos que se le pueden dar a una escultura, por ejemplo, un banco para sentarse ( Hier), o la manera de plasmar una poesía de manera visual, de tal forma que transmitan lo mismo a través de diferentes sentidos (El puñal).

Una vez que recopilé la información necesaria sobre diferentes autores, y diversos tipos de creaciones a partir de letras, llegó la hora de llevar a la práctica todo lo aprendido y elaborar mi propia escultura creada con cartón. Antes de realizar la escultura, fue imprescindible aclarar las ideas, plasmar todo lo que tenía pensado realizar y dejar constancia de ello, por lo que realicé un boceto. En el mismo, plasmé las diferentes partes que la compondrían mi escultura, la forma de encajar las piezas, las diversas perspectivas que tendría… de tal forma que, todo tuviera sentido, y concluya con una creación armoniosa que transmitiera todo lo que me gustaría. En este paso, era fundamental la creatividad e imaginación, pensar como transmitir todo lo que pretendía y que una vez creado, todo tuviera sentido.

Al estar basado el proyecto en la infancia, arte y juego, quise crear mi escultura enfocada a un trofeo, que podría servir para algún acontecimiento relacionado con estos temas, por lo que debía tenerlo en cuenta para estimar las dimensiones de la misma.

Mi escultura está compuesta por partes macizas y partes vacías. Específicamente, las partes macizas están formadas por 3 cubos, cada uno de ellos representa un aspecto distinto (infancia, juego y arte), y por otro lado, la parte vacía que corona la escultura, formada por un niño, rodeado por un círculo que significa el mundo. Por lo tanto, lo que quiero transmitir con la misma, es que debemos centrarnos en el niño y sacar todo su potencial, respetando siempre la etapa madurativa y característica particulares, tomando el juego como principal fuente de aprendizaje, y permitiendo que desarrolle la creatividad e imaginación a través del arte (de aquí, el nombre de la escultura, “Los pilares de la Infancia”).

Una vez que tenía claro, qué piezas quería crear para mi escultura, sus medidas y de establecer cómo disponerlas para crear el trofeo, llegó la hora de pensar en cómo forrarla con mi dibujo, elaborado anteriormente, combinando diferentes tamaños, perspectivas…sacando el máximo potencial posible a la creación. Es preciso destacar, que el material que utilicé para elaborar dicha escultura fue el cartón, buscando diferentes grosores y durezas en función de la estabilidad que quería darle a cada parte de mi obra.

En el boceto, dejé constancia de cómo forrar cada una de las partes, teniendo en cuenta que todo debía ser con fotocopias de mi propio dibujo. Cada cubo representa un tema, con una serie de dibujos, puestos en forma de collage (realizado a través de ordenador, utilizando mi propia creación) y destacando siempre una imagen en el centro relacionado con el tema propuesto, por ejemplo en arte (la A, la cara cantando, el lápiz). Decidí que, para destacar el dibujo del centro sería interesante utilizar un contorno blanco, que elaboré con los espacios blancos de mi propio dibujo. También cabe destacar que cada figura, la forré con el fondo de letras pequeñas de mi dibujo, dispuesto en forma de collage, que constituían la base de lo demás. A la hora de pegar en el cartón mi dibujo, utilicé las menores piezas posibles, utilizando pliegues en los laterales para que quedara lo mejor posible. Para unir todas las piezas utilicé cola, silicona y palillos de madera, con el objetivo de dar estabilidad a la escultura, y se notara lo menos posible las uniones.

Durante todo el proceso creativo, nuestro trabajo estuvo ambientado con la canción “i dont wanna be you anymore”  de Billie Eillish, por lo que consideré importante integrarla de alguna forma en la misma. Por ello, decidí introducirla en el círculo que corona mi escultura, utilizando como material cartulina azul, en la cual, escribí la canción en forma de partitura de piano y la enrollé alrededor del círculo.

La última parte de este proyecto culminó alumbrando a la escultura con luz artificial, y observando diferentes formas de ver la misma, las cuales fueron muy curiosas para reflexionar en torno a ellas. Por último, en el aula, realizamos una exposición con luz artificial, donde añadimos luz de color a nuestras creaciones, las cuales fueron representadas con una foto de su sombra y una cartela con los datos principales, y toda la exposición estuvo amenizada por un grupo que cantó la canción, que ha motivado y creado un buen clima durante todo el proceso.

Fotos de la exposición: