PRESENTAMOS NUESTRO SEGUNDO PROYECTO ARTÍSTICO

El segundo proceso creativo que hemos llevado a cabo en el aula de expresión plástica ha sido la elaboración y posterior interpretación de un cuadro famoso, donde nos insertamos dentro de la historia del arte, pintores famosos, y obras interesantes por conocer. Este proceso, al igual que el que realizamos anteriormente con las esculturas, estaba compuesto por varias fases, las cuales describiremos a continuación. A diferencia del proyecto anterior, en este caso lo hemos realizado en grupo, lo que nos ha permitido incluir diferentes ideas y puntos de vista, y de esta forma enriqueciendo nuestro proceso de aprendizaje.

FASE 1: “Búsqueda de información”

La primera fase estuvo compuesta por la indagación y exploración de pintores de la historia del arte y sus obras, realizando una selección de las más llamativas, y posteriormente eligiendo la que más potencial tenía para nosotras, y la que nos transmitía algo diferente y llamativo. La obra seleccionada es un óleo sobre lienzo llamado “Algunos círculos”, realizado por el artista Vasili Kandinsky en torno a 1928. La obra actualmente se expone en Museo Guggenheim de Nueva York, está considerada como uno de los primeros exponentes de arte completamente abstracto, que apareció en la Europa del siglo XX.

El lienzo tiene un formato cuadrado 140 x140 cm, en el que un conjunto de círculos de diferentes colores y tamaños aparecen sobre un espacio vacío y negro. Normalmente, todo aquel que lo observa tiene la sensación de estar observando una especie de galaxia. En la obra podemos observar, un fondo negro irregular, y sobre el mismo se sitúan círculos de diferentes tamaños que se tocan, se superponen o se alejan entre sí, que además de diferenciarse por su tamaño, también lo hacen por su tonalidad (combina colores fríos y cálidos).

Aunque aparentemente sea muy simple, ha sido muy estudiada, pues para su elaboración, Kandinsky se basó en diferentes teorías e influencias de algunos autores.

Nuestra elección de dicho cuadro, se debió por un lado, por nuestro gusto e inquietud por lo abstracto, y por otro lado,  porque nos llamaba mucho la atención y nos gustaba tanto su composición de formas y colores como lo que nos transmitía.

FASE 2: “Elaboración del cuadro”

La segunda parte de nuestro proyecto se compuso por la representación de la obra en cartulina, con la que utilizamos diferentes instrumentos , entre ellos destacar el compás, diversas témperas de colores, lápiz de grafito, tijeras, etc. Antes de reproducir la obra en dicha cartulina, elaboramos un boceto con el objetivo de tener una idea previa de lo que queríamos representar, y además de qué forma hacerlo. En dicho boceto aparece reflejado todo aquello que queríamos conseguir en la cartulina.

 

El autor propuso el nombre que le inspiró en el momento de la pintura, siendo éste “Algunos círculos”, pero nosotras decidimos darle a nuestra creación un título distinto, reflejando en él lo que realmente nos inspira este cuadro, recibiendo el nombre de“Alrededor de la galaxia”.

Cómo hemos explicado ya, hemos elegido esta obra por nuestro gusto por lo abstracto, lo que nos transmitía y además considerábamos que sería una obra útil para llevarla a cabo en un futuro  al aula de educación infantil, ya que los niños podrían representarla e incluso interpretarla, conociendo así a su autor más profundamente.

FASE 3: “Interpretación del cuadro a través de un objeto y body art”

Una vez elaborada nuestra pintura, incorporamos un elemento externo a la misma, el cual era un abanico que representa en nuestra obra una parte de de la circunferencia de los que conforman el cuadro. Por último, una experiencia muy especial fue interpretar nuestra obra a través del body paint.

 

Aunque el tiempo fue escaso y no dió tiempo a disfrutar de este proceso creativo como nos  hubiera gustado, fue una experiencia única. Tanto los dibujos que realizamos, como la manera de disponer los brazos tenían un sentido determinado. Por un lado, decidimos situar los brazos en forma de estrella, pues se relacionaba nuestra idea e interpretación sobre la pintura inicial sobre la vía láctea. También intentamos que todos los elementos del cuerpo encajaran en los de la obra realizada para conseguir la armonía buscada.

 

 

Por último, el motivo de presentar dicho proyecto, se debe a que sin duda ha sido el más interesante y el que más motivación nos ha causado y también es el que tiene más sentido para llevar al aula y que los niños y niñas conozcan diferentes obras y artistas famosos, siendo ellos mismo quienes lleven a cabo este proceso.

FASE 4: “Exposición e impresiones”

Para la exposición, pensamos en crear un espacio que propiciara tranquilidad. Para ello, decidimos apagar todas las luces y dejar solamente un foco de luz cálida que alumbraba el aula. Una vez estaba todo el aula ambientada empezamos a exponer.

La primera parte de la exposición consistía en introducir el tema que se iba a presentar y la obra que habíamos elegido para exponer. En esta primera parte, junto a una música ambiental que nos llevaba a la galaxia, una componente de nuestro grupo formuló una pregunta para los compañeros: ¿Qué os transmite esta música?

La segunda parte de la exposición consistía en hablar un poco del autor y dar datos fundamentales de la obra, como por ejemplo: Donde se encuentra la obra original, en que año se realizó y que estilo tiene.

La tercera parte fue más orientada a lo que inspiraba a la mayoría de las personas la obra y es que, las personas cuando lo observan, ven una especie de conjunto galáctico. Esto fue acompañado con una lámpara y una bombilla de colores que alumbraba la obra, dando así una sensación de luminosidad, imitando aún más la galaxia.

La cuarta y última parte estaba orientada al proceso creativo, donde nuestras compañeras contaban los materiales que fueron necesarios utilizar para hacerlo. Además de presentar el objeto que se había elegido para ponerlo encima de la obra acompañando al bodyart.

En general estuvimos muy satisfechas con el trabajo realizado, tanto de la obra como de la exposición ya que, utilizamos una forma original para exponerlo y llevamos a cabo un buen trabajo cooperativo.

¡Recicl-arte!

El pasado día 13 de mayo realizamos un taller de reciclaje y creación artística en la universidad de Cádiz, acompañados y guiados por el famoso artista sevillano ensamblador de objetos, Luis Cruz Suero. 

En primer lugar tuvimos una pequeña introducción en la que dicho artista nos presentó algunas de sus obras y nos introdujo en el tema del reciclaje. Hoy en día el consumismo acelerado e irracional que maneja a la sociedad actual conlleva a la generación de millones de residuos que tardan años y años en desaparecer, y que en comparación, su vida útil llega a ser incluso de diez minutos (como ocurre con las bolsas de plástico). Luis insistió en la necesidad de frenar este consumismo, y nos informó sobre los movimientos que se están llevando a cabo como por ejemplo no comprar alimentos excesivamente envasados y buscar comercios que vendan productos a granel. Otra de las propuestas que Luis nos presentó fue la idea de crear arte con los residuos que generamos,  y en esta idea se basaba el taller de esculturas ensambladas.

Todos los participantes llevamos diferentes materiales cogidos de casa como tapones, botes de plástico, piezas rotas, trozos de madera, etc. para añadirlos al resto de materiales que Luis nos ofreció. Y luego, comenzamos a crear.

Teniendo en cuenta la zona privilegiada en la que estudiamos, tan cerca del mar, se nos ocurrió la idea de crear un barco y nos pusimos manos a la obra, comenzando por un boceto para plasmar la idea que teníamos en la cabeza, y luego empezar a desarrollarla.

La base del barco está hecha con un bote de plástico que recortamos para que tuviera la forma adecuada, colocando detrás un tapón grande de color rojo, con forma de ventilador, para que pareciera una turbina. Alrededor del barco, pegamos con silicona una serie de tubos cilíndricos de color azul, huecos en su interior, con los que conseguimos crear una sensación de oleaje. Luego colocamos dentro del barco un trozo de madera celeste y encima de ésta, otro tubo cilíndrico en vertical, con una tela morada recortada en forma de triángulo arriba del todo, para simular la vela del barco, y le añadimos unos recortes con la figura de dos niños de la mano como símbolo de la bandera. Para terminar esta parte, rodeamos el tuvo cilíndrico con lana de color naranja y verde, para que pareciera una cuerda atada al mástil, y ofrecer también otras texturas más suaves al tubo. A continuación realizamos el timón con un material plástico redondo que encontramos en las bolsas y que daba la sensación de movimiento por sus pequeños dientes. Lo pegamos al barco rodeándolo con una pajita de plástico roja. Por último nos encargamos de decorar los laterales del barco, añadiendo los ojos de buey con tapones redondos de diferentes colores, creando así la oportunidad de poder imaginar lo que habría detrás de cada ventana, cada color sugiere algo diferente a cada persona. Y al otro lado colocamos una ventana más grande rectangular, representando el camarote del capitán. También decidimos colocar unas redes al borde de la cubierta por ambos lados, como si estuviesen a medio echar. Además conseguimos darles sensación de movimiento tejiendo y entrelazando un poco de lana en las telas. Finalmente añadimos en uno de los laterales un cilindro rojo que enroscamos con lana beiige por diferentes zonas, creando así un flotador salvavidas.

Al terminar nuestra escultura quedamos muy contentas con el resultado final y decidimos denominarla  El Mar de la Infancia, ya que se trata de una llamada a la imaginación de los niños, a que observen el barco, imaginen cómo es por dentro, cómo son sus marineros y las batallas que habrán luchado contra las grandes mareas. 

Finalmente no debemos olvidar el objetivo de este taller en el que hemos aprendido la cantidad de usos que se le podría dar a todos esos residuos, sobretodo plásticos, que todos generamos. Con nuestra escultura queremos también centrar la atención en la grande problemática que son los plásticos que desechamos a diario y que terminan en nuestros mares. 

Pensamos que este taller ha sido muy útil para ser más conscientes respecto al tema de los residuos, y es necesario que se trabajen más estos aspectos y se sigan ofreciendo alternativas tan llamativas como la de crear arte con estos materiales que iban a terminar en la basura.

PROCESO CREATIVO, G 07 Fátima González Luna

Se empezó este proceso creativo recordando palabras características de nuestra infancia tanto de sentimientos, emociones, juegos, recuerdos… para después plasmarlas en un dibujo dejando volar nuestra imaginación. El dibujo solo puede estar realizado por letras de distintos tamaños, grosores e intensidades, haciendo con ellas una forma. Las palabras más significativas para mi fueron “ilusión, amor y felicidad” y a partir de ellas fueron surgiendo más palabras bonitas sobre mi infancia.

Algo a resaltar es que durante la realización de este dibujo no podía utilizarse la goma para borrar, por lo que debíamos pensar previamente lo que queríamos hacer y de qué manera. De todas formas podíamos repetir el dibujo las veces que quisiéramos por lo que no había miedo al error. Haciendo este dibujo recordé muchos momentos y sentimientos bonitos y agradables sobre mi infancia.

Mi obra fue llevada a cabo en un bloc de dibujo de la marca Color Max de espiral microperforado. Durante el proceso utilice un lápiz bic ecolution evolution 650 HB/nº2, con el cual le di más intensidad a unas partes que a otras.

El dibujo está formado por las palabras más significativas sobre mis recuerdos de la infancia, que como he dicho anteriormente, están escritas con tonos más y menos intensos.

Una vez terminados los dibujos, se nos propuso investigar autores y obras formadas por letras y palabras, podían ser esculturas o pinturas. La mayoría creímos que no íbamos a encontrar nada, pero ante nuestro asombro, había autores y obras muy interesantes.

Al acabar esta búsqueda de información tan productiva, comenzó nuestro proceso de crear nuestra propia escultura de cartón. Me sentí bloqueada ya que nunca había realizado nada igual ni parecido y no sabía por dónde empezar ni cómo hacerlo, creyendo que no sería capaz.

Antes de realizar la escultura, había que plasmar todas nuestras ideas en un boceto, desde distintas perspectivas, para que cualquier persona que lo viera fuera capaz de realizarla de la misma manera. Fueron imprescindibles las ganas y la constancia para que este proyecto siguiera adelante.

 

Al pensar en mi infancia, me di cuenta de que la infancia de los niños de ahora es muy diferente a la que yo tuve, ya que los juegos tradicionales han quedado más apartados para ser sustituidos por las nuevas tecnologías y me dio mucha pena, porque yo había vivido una infancia estupenda. Esto me recordó a un Koala, que es un animal que está en peligro de extinción, como la infancia que yo tuve que se está perdiendo.

El nombre que le puse a esta escultura fue “La naturaleza”, ya que pienso que es algo que también está cambiando porque no la cuidamos adecuadamente.

La escultura debía estar formada por partes macizas y huecas, por lo que le hice el koala macizo y le realicé una apertura en forma de boca para que así tuviera una parte hueca.

Más tarde, decidí la medida de cada una de sus partes, para que fueran acordes y esta escultura no fuera ni demasiado grande ni pequeña. También fui pensando  donde irían colocadas las diferentes  partes del dibujo y de qué manera para que quedara lo mejor posible.

Una vez terminada la escultura, llegó el momento de FORRARLA. Pensaba que iba a ser fácil y que se haría rápidamente pero estaba muy equivocada. Una vez me puse a ello, me di cuenta de que era tan sencillo, ya no solo el hecho de forrarla correctamente para que no quedara ningún espacio sin forrar y no se viera el cartón, sino también por elegir que parte del dibujo utilizar, cómo recortarla para que quedara bien pegada y se ajustara correctamente a la zona.

Al principio la cabeza del koala la hice recortando cuadrados y pegándolos pero me di cuenta que había que utilizar muchas piezas y era más difícil pegarlas y que se mantuvieran estables, por lo que opte por hacer pliegues para que quedara la figura más uniforme y se pegara mejor.

La canción “I don’t wanna be you anymore” de Billie Eilish nos estuvo acompañando durante todo nuestro proceso creativo, por lo que había que incluirla de alguna manera en nuestra escultura para que quedara reflejada. Utilicé papel de regalo rosa y la coloqué en la boca de mi escultura en forma de lengua y escribí el título de esta canción.

Las primeras veces que escuche está canción me gustó pero no sabía realmente lo que decía. Al buscarla en español me sorprendió ya que no me imaginaba que la letra fuera sobre ese tema, pero me encantó y me transmitió muchísimo, por lo que en mi casa la he estado escuchando más veces y he investigado más sobre esta cantante.

La última parte del proceso creativo consistía en proyectar a la escultura luz artificial, moviéndola para poder observarla sobre diferentes perspectivas que no nos habíamos imaginado. Esta parte fue una novedad para nosotros ya que durante todo el proceso habíamos trabajado con luz natural.

Para finalizar, se llevó a cabo una exposición, donde cada grupo colocaba sus esculturas y proyectaba la luz artificia de la manera que prefiriese. Nosotras decidimos utilizar una lámpara que aportaba luz de diferentes colores, por lo que daba diversos matices a las mismas esculturas. Además cada grupo acompañó sus esculturas con sus respectivas cartelas y fotos de las sombras de las esculturas.

Esta exposición estuvo ambientada con la actuación de uno de los grupos de nuestros compañeros, que interpretaron la canción mencionada anteriormente. Fue muy bonita y transmitió mucho, además de crear un ambiente perfecto para la exposición.

PROCESO CREATIVO, G 07 Carmen Calderón Aguilar

Para empezar el proceso creativo lo primero que hice fue recordar mi infancia y todo aquello que me recordaba a ello como por ejemplo los juegos, los sentimientos,las emociones, gustos... Todo esto fue plasmado en un dibujo que realicé utilizando únicamente diferentes letras, con diferentes formas, tamaños o grosores. Para realizar el dibujo pensé en cuales son las palabras claves que definen infancia en mi caso elegí amor, infancia, crecer, inocencia... y así muchas más.

El dibujo fue plasmado en un blog de dibujo con un lápiz de grafito pero no podía usar la goma para borrar los trazos ya realizados para mí fue complicado realizar el dibujo y corregir las lineas justo encima de las que había realizado sin borrar lo anterior hecho. En mi caso al no poder borrar y no convencerme lo realizado pasé la página y comencé de muevo y así hasta que el dibujo fue de mi gusto por completo.

El resultado del dibujo tras darle bastantes vueltas a la idea consiguió ser de mi agrado y a través de una mano de un niño poder recordar y plasmar todo lo que había pensado en la fase anterior y en un tan sólo golpe de vista poder llevarte a la infancia y volar tu imaginación y volver al pasado y recordar tu infancia.

Los materiales usados para este dibujo fue un blog de dibujo Basik en espiral microperforado de Canson Guarro. El papel del blog estaba satinado y el fondo era blanco. Por la textura del papel es ideal para realizar diferentes trazos con diversos materiales como por ejemplo lápiz de grafito, ceras, temperas... Además del blog utilicé un lápiz de grafito de la marca Staedler Noris HB 2 con el que a través de diferentes técnicas conseguir el efecto deseado.

Mi dibujo está realizado con diferentes letras con el que se forman diferentes palabras, que en su conjunto definen en mi opinión la infancia. Realicé la silueta de la mano con la palabra infancia con un tono oscuro y de un tamaño pequeño, además esta misma palabra aparece en un tamaño mayor y con una intensidad mayor en el centro de la mano para que se vea con claridad la finalidad del dibujo. Tambíén el dibujo están escritas las palabras amor primero apareciendo solo una de sus letras y sucesivamente apareciendo la palabra entera y realizando a medida que aparece la palabra una intensidad mayor de la palabra. A parte de esa palabra he realizado lo mismo con otras palabras como por ejemplo crecer que pienso que son palabras que definen de manera bastante representativo en lo que debe de basarse la infancia por eso a medida que iban apareciendo el grosor ha sido mayor.

Siguiendo el proceso creativo en clase investigué sobre las diferentes esculturas que estuvieran hechas con letras y palabras a medida que iba buscando información y dibujos sobre ello me parecía más interesante la idea de las esculturas y dibujos realizados con dibujos. Una autora que me pareció muy interesante fue Paula Scher con su obra The public Theater en el que podemos observar diferentes palabras con diversos tamaños y colores. O también referente a la escultura la que realizó el autor Jorge Calvo en la corriente del Pop Art. A partir de ello busqué diferentes esculturas huecas que me pudieran inspirar a través de ello para realizar mi propia escultura.

Una vez acabado con la fase anterior y buscar información sobre diferentes esculturas y autores me puse mano a la obra con el proceso de elaboración de mi escultura, al principio sentía un poco de inseguridad y miedo por ser incapaz de llevar a cabo las ideas que tenía en mi cabeza y que había plasmado anteriormente en el boceto realizado en mi blog de dibujo. El boceto fue modificado varias veces ya que cuando lo intentaba plasmar en el dibujo tenía que pensar en la realización del mismo y en que debía estar realizado con las mínimas piezas posibles y de la manera más fácil posible. Tras trabajar mucho en el boceto y en como lo iba a realizar y ya con las ideas más claras tocaba ponerse manos a la obra y pensar en que tipo de cartón sería el idóneo para poder plasmar mis ideas y mis bocetos sobre la escultura.

Ya que desde principio del proceso creativo ha estado relacionado con la infancia al volver a pensar en ella pensé en la importancia que tiene en la infancia que los adultos dejemos volar la imaginación del niño y que pueda ser creativo por ello pensé en algo que vuele igual que la imaginación y la libertad de los niños y niñas por ello pensé en realizar un avión que mejor que ello para plasmar la idea de volar. Por ello pensé que el nombre ideal para esta escultura podría ser “ vuela alto” ya que es así como debe de la imaginación de un niño y la infancia en general.

La escultura está realizada por partes macizas y por una parte hueca que está colocado en la parte superior de la escultura donde se sienta el copiloto. El avión está compuesto por dos alas encajadas cada una a un lado, una hélice que gira y la cola del avión.

El cuerpo del avión esta compuesta por una caja de cartón y las demás piezas están encajadas en su lado correspondientes también realizadas con cartón y medidas anteriormente. Una vez ya realizadas todas las piezas y sabiendo como iba a realizar la escultura empecé a pensar en como iba a forrar la escultura con mi propio dibujo realizado anteriormente. Para mí fue complicado ya que con un sólo material la idea era sacarle el máximo partido para realizar con un fin estético la escultura.

El proceso creativo llegaba a su fin una vez realizada la escultura tocaba forrar la escultura con el dibujo que había realizado anteriormente. Empecé colocando las manos por el cuerpo del avión de manera que se iban colocando primero por la parte superior, después por el centro de la escultura y después por la parte inferior una vez todo forrado iba cortando diferentes partes de la mano como por ejemplo un dedo y lo iba colocando tapando los huecos para rellenar el cartón por completo. Del dibujo para rellenar los huecos fui cogiendo palabras claves que estaban repartidas por la mano.

Intenté utilizar el mínimo número de piezas e ir pegándolo intentando que los dibujos no se pisen unos y otros así evitando que se pudiera realizar pliegues en el forrado. Para el forrado utilicé tijeras para cortar el dibujo que iba a utilizar y pegamento para colocar las partes elegidas.

Por otro lado muy importante destacar el ambiente en el que estaba inmerso todo el proceso creativo, ya que desde el primer día de este proceso mientras trabajabamos escuchábamos la canción I don´t wanna be you anymore de Billie Eilish, por su instrumentación calmada y tranquila pienso que fue de gran ayuda para conseguir la concentración necesaria para trabajar. Además de escucharla debía estar incorporada en nuestra escultura de una manera poco usual. Por ellos decidí incorporarla en mi escultura a través de unas nubes que colgaran del ala del avión escribiendo en cada nube las palabras más significativas de la canción.

Por último una vez terminada la escultura tuve que proporcionarle luz artificial con el fin de proyectarla en un fondo así con la sombra probar y realizar diferentes formas y así poder sacarle partido a nuestras escultura. Se realizó esto con luz artificial ya que durante el proceso creativo se realizó con luz natural desde el principio.

Por último se llevó a cabo una exposición de todas las esculturas realizadas por los compañeros. Cada grupo colocaban las esculturas en una mesa en la que la decoraban utilizando lo que cada uno creía conveniente. En nuestro caso utilizamos una lámpara con luz de diferentes colores y en la mesa al lado de cada una de las esculturas las imágenes de las esculturas proyectadas con luz artificial y las cartelas correspondientes. Durante la exposición un grupo estuvo representando la canción que estuvo sonando durante todo el proceso creativo.

PROCESO CREATIVO, G07. Marta Fernández Alba

MI PRIMER PROCESO CREATIVO

"Mareas emocionales"

Por Marta Fernández Alba

Durante estas semanas atrás he llevado a cabo mi primer proceso creativo, basado en dar forma a la infancia y representarla de diferentes maneras, enlazándola con el juego y el arte, con el objetivo final de crear una estructura relacionada con estas premisas. Durante todo el proyecto, cuando trabajaba en el aula junto con el resto de mis compañeros dábamos forma a nuestras ideas escuchando de fondo la canción "I don´t wanna be you anymore", de Billie Eilish. Dicha  canción tendríamos que añadirla de la manera más original posible, al final de nuestro proyecto creativo.

Para conseguir un orden sobre el trabajo realizado e ir creando poco a poco a través de la indagación en los temas que pretendía recoger en mi obra, dividí el proceso en tres puntos.

En primer lugar, comencé el proyecto realizando un dibujo que representase para mí la infancia, el arte y el juego. El dibujo debía realizarlo creando formas con palabras relacionadas con las tres premisas ya mencionadas. Inmediatamente llegaron las ideas a mi imaginación; el mar, el sol, los pájaros, los peces… la playa. Una infancia feliz entre olas y peces de colores, con la luz del sol resplandeciendo en la superficie. La inocencia de los pequeños me recordaba tanto a la de los peces. Y la risa de los niños, tan alegre. Pura luz, como el sol. Me decidí a dar comienzo a mi dibujo, y para ello decidí plasmar el mar con palabras que únicamente tuvieran relación con el arte, expresando así la grandiosidad de ambos. En los peces, el sol y los pájaros utilicé palabras relacionadas con la infancia y el juego. Y para terminar, me di cuenta de que todo lo que había puesto sobre la infancia era bueno, pero que también había sensaciones negativas u obligaciones que no nos hacen sentir bien cuando somos pequeños, por tanto, utilicé esta idea para dar forma a una nube y expresar así la parte negativa de la infancia. El dibujo lo realicé en un bloc de dibujo Basik Canson Guarro con hojas de papel de 23x32,5 cm, microperforadas, y un lápiz de grafito de la marca Faber-Castell, de dureza 6H. 

El siguiente punto del proceso fue la búsqueda de esculturas, ilustraciones, estructuras, etc. macizas o con huecos vacíos, de diferentes autores que hayan dado forma a sus obras utilizando letras. Esta búsqueda me ayudaría a tomar ejemplos y empezar a dar forma a mi estructura final.

Entre las obras encontradas he seleccionado las siguientes; el “Poema Arco” de Beatriz Díaz Ceballo, realizado con acero carbono, con soldadura de arco y pátina de cuero. Sus medidas son de 159 x 365 x 100 cm y fue expuesto en 2017 en las calles del centro histórico de Aranda de Duero (Burgos) para la tercera exposición de esculturas urbanas al aire libre. Las diferentes esculturas expuestas de esta artista muestran en dicha exposición, muestran un curioso juego de palabras que van invadiendo las calles y a través de divertidas formas con el acero. “Art” y “Love” son dos esculturas del autor Robert Indiana. En ambas emplea los colores azul y rojo. “Alma de Ebro” de Jaume Plensa destaca por su grandeza y complejidad para dar forma al cuerpo utilizando las letras. Esta escultura fue instalada en la ciudad de Burdeos. Y por último “La magia de los caligramas” de Cacho Mazzoni, en la que utiliza una poesía que habla de un gato, para dar forma al propio gato.

El último punto del proceso fue realizar mi propia escultura, teniendo en cuenta los puntos seguidos anteriormente. Para ello comencé preguntándome cómo quería plasmar lo trabajado hasta el momento, fue  así como conseguí visualizar las formas que quería dar a mi escultura. Entonces me puse manos a la obra para representarlo en un boceto inicial.

La primera idea era crear media cúpula que enmarcara la estructura, con una plataforma debajo y una luna creciente en el centro, con un cofre del tesoro a sus pies. En la cúpula habría unos huecos con forma de niño y niña jugando de la mano, de esta manera la luz podría entrar por dichos huecos, representando la alegría de la infancia. La idea surgió en base al dibujo realizado al principio del proceso. Quería plasmar el mar, la luna y sus fases; la influencia de éstas en las mareas, etc. así la escultura tendría un sentido educativo en relación al conocimiento del medio. La cúpula sería la luna llena, la luna media sería creciente, la plataforma representaría el mar, y el cofre del tesoro haría alusión a la fuerza y al poder que ejerce la luna sobre el agua. Esta idea guardaba relación con la infancia en cuanto a que relacionaba los niños con los peces que hay en el mar, los cuales se mueven conforme las mareas lo hacen, al igual que los niños están influenciados por las diferentes emociones que suceden dentro de ellos, los estados de ánimo, las sensaciones, etc. y también están bajo el respaldo de los padres y madres que siempre les cuidan y guían, a los cuales represento con la figura de la luna.

Una vez que empecé a realizar la escultura con el cartón me di cuenta de que la media cúpula no iba a quedar bonita con este material. Entonces me planteé si sería práctica mi idea de la cúpula, o si podría representar la luna llena de alguna otra forma. Volviendo al dibujo inicial, me paré por un momento a observar el sol que dibujé en el centro y decidí olvidar lo de las fases lunares y representar por un lado el sol y por otro lado la luna. De esta manera se me ocurrió realizar el sol con un círculo plano, que lo colocaría como fondo de la escultura, y en éste dibujaría  los huecos con forma de niño y niña que había pensado para la cúpula, de esta manera, no sólo entraría la luz por dichos huecos, sino que además, visto desde enfrente parecería que los niños están subidos en la media luna. 

En cuanto al cofre del tesoro, pensé que sería una buena idea añadir dentro en un papel enrollado, la canción que ha sonado de fondo mientras trabajaba el proyecto estando en clase, pero entonces se me ocurrió plasmarla de una manera más original, creando las palabras de un párrafo de la canción mediante rollitos de papel arrugados pegados en la plataforma (que representa el mar) y así utilizaría la letra de la canción para aportar diferentes texturas y crear también la sensación de olas en movimiento. 

Una vez que di forma a mis ideas, pensé en la manera de forrar la estructura ya que debía hacerlo con fotocopias del dibujo realizado en la primera parte del proceso. Para organizarme, pensé en las diferentes piezas que tiene la estructura, y lo repartí de la siguiente manera:
La plataforma que representa el mar iría cubierta con las olas de palabras que dibujé.
El sol quedaría dividido como en dos partes, por debajo estarían las nubes y de la mitad hacia arriba, le colocaría la parte del cielo con los pájaros.
Y por último, la media luna la cubriría con una composición de mosaicos hechos con el sol dibujado por letras.

Finalmente y teniendo en cuenta todas las ideas que he explicado relacionando la infancia, el arte, el mar, los peces, las emociones, el juego, los padres, etc. decidí denominar mi estructura “Marea de emociones”, recogiendo así el conjunto de ideas que he querido representar.
En cuanto a la ubicación de la estructura, está pensada para situarla en una plaza con vistas a un acantilado que dé al mar. De esta manera la luz de los atardeceres o amaneceres podría entrar directamente por las formas huecas que tiene la estructura y crear así un bonito y divertido juego de luces.

 

Para terminar el proyecto, alumbré la escultura con luz artificial para captar sus sombras. 

En la exposición final, la luz de colores que colocamos en nuestras mesa también jugó un importante papel aportando vida a las formas huecas del niño y la niña jugando de la mano.  

 

El día de la exposición fue todo un éxito y las esculturas que realizamos encajaron en armonía bajo el manto de una leve luz que cambiaba de color, aportando suavidad, alegría y misterio. Durante dicha exposición tuvimos el placer de disfrutar de una actuación que realizaron algunos compañeros de clase, con la canción que ha sido protagonista durante toda la realización de nuestros proyectos. 

 

Fdo. Marta Fernández Alba.